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Santiago Ydáñez


SIN TÍTULO (CARETO DE SALSAS)

2015

Acrílico sobre lino – Acrylic on inen

300 x 220 cm


ES

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Santiago Ydáñez, que nació en Puente de Génave, Jaén, en el año 1996, reside entre Granada, ciudad donde se licenció en Bellas Artes, y Berlín desde hace más de una década. Puede que sea el artista de más reconocimiento profesional de su generación, posiblemente por la gracia de su resolución estética y por lo apropiado de la versatilidad de su estrategia artística en torno a cómo «usar la pintura» para «auratizar» cualquier contenedor/contenido que desde la imagen emerja como discurso del arte actual. Preocupado desde sus inicios por el enfrentamiento que el humano de los siglos xx y xxi tiene con los universo  propuestos por la imagen, Santiago desarrolla un amplísimo trabajo sobre la mirada como centralidad operativa de un trabajo que abarca todos los géneros de la pintura, y se extiende hacia el más reduccionista y pulsativo grafismo del dibujo a la espacialidad más grandilocuente de lo objetual/ instalativo.

Con una obra caracterizada por la velocidad de su gesto neoexpresionista y su volátil sapiencia, Ydáñez se enfrenta al soporte como lo hacen los maestros del lenguaje pictórico, como a ciegas, con los ojos tan abiertos que simulan una «ceguera de trance místico», a lo que se suma su ecuménica manera de combinar en un mismo ejercicio grupal —como producción de sentido observada desde la visión de conjunto— un resultado poliédrico, polisémico, plural, promiscuo y mestizo. Aquí conviven un desnudo nostálgico, bucólico tal vez, robado de una imagen vintage, y un mordaz retrato forense de la muerte, donde la cultura popular de los pueblos ibéricos, tanto españoles como lusos, colindan con fríos paisajes nórdicos o centroeuropeos, o donde las icónicas esculturas católicas se muestran en paralelo a la fauna regional que cohabita en el contexto donde ha crecido.

Una obra donde destreza formal y violencia visual se codifican como un don regalado, el don posduchampiano de la transustanciación hecha lista para ser observada, así, en mayúscula, con esa frontalidad que emite como grito el gran arte; un alarde operístico de cómo hacer que la pintura se comporte como presencia avasallante que nos seduce, nos da pánico, nos intriga y nos divierte, porque a fin de cuentas en esa efervescencia su bondad nos ofrece el arte como una experiencia para sentir nuestra nimiedad, nuestra intranscendencia, nuestro verdadero tamaño histórico, apocado por el devenir de un gigantesco legado que nos precede y que hereda muchísimo más de Goya que de Richter.

ENG

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Santiago Ydáñez, who was born in Puente de Génave, Jaén, in 1969, lives between Granada, the city where he graduated with a degree in Fine Arts, and Berlin for overten years now. He is perhaps the most professionally renowned artist of his generation, possibly owing to the flair of his aesthetic resolution and to the timely versatility of his artistic strategy on how “to use painting” to confer an aura to any container/content that emerges from the image as the discourse of art today. Concerned from the outset with confrontation between the human being of the twentieth and twenty-first centuries and the universes proposed by the image, Santiago has developed a wide-ranging body of work on the gaze as the operative centrality of a practice that embraces all genres of painting, and expands from the more reductionist and pulsative graphics of drawing to the more grandiloquent spatiality of the objectual-installational.

With a body of work characterised by the speed of his neo-expressionist gesture and his volatile know-how, Ydáñez confronts the support like the masters of painterly language, blind, with his eyes so open that they simulate a “blindness of mystic trance”, to which we would have to add his ecumenical way of combining in the one group exercise—as production of meaning observed from an overall perspective—a polyhedral, polysemic, plural, promiscuous and mestizo result. Here we see a nostalgic, perhaps bucolic nude stolen from a vintage image alongside a caustic forensic portrait of death, where the popular culture of the Iberian peoples, both Spanish and Portuguese, rub shoulders with colder Northern or central European landscapes, or where iconic catholic sculptures are shown alongside the regional fauna that coexists in the environs where he grew up.

A work where formal skill and visual violence are reified as a gifted gift, the post-Duchampian gift of transubstantiation readymade to be observed, with all the frontality that great art emits as a cry; an operatic display of how to ensure that a painting acts as an overbearing presence that seduces us, alarms us, intrigues us and amuses us, because at the end of the day, in this effervescence, its goodness offers art to us as an experience to sense our triviality, our insignificance, our true historic size, downtrodden by the evolution of a gigantic legacy that precedes us and that inherited a lot more from Goya that from Richter.

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